TRACEY EMIN A PALAZZO STROZZI II

Le opere della mostra Sex and Solitude

Domenica 22 giugno 2025

Le mostre di arte contemporanea a Palazzo Strozzi sono diventante per noi un appuntamento irrinunciabile e quest’anno abbiamo fatto doppietta (e tutta al femminile!): a gennaio abbiamo visitato “Helen Frankenthaler. Dipingere senza regole” e a giugno “Tracey Emin. Sex and Solitude”. Anche stavolta dobbiamo ringraziare un generoso e accorto amico di famiglia per l’ingresso a questa esposizione, che per noi è stata una delle più particolari e per la quale è stata necessaria apertura mentale e molta informazione.

Data la lunghezza e la complessità della mostra, abbiamo deciso di suddividere gli articoli in due parti: la prima è dedicata ad un’introduzione sull’esposizione e al catalogo delle opere esposte, mentre la seconda alle varie sezioni con un’analisi più puntuale delle opere.

Sex and Solitude è un’opera creata con un materiale ricorrente nel lavoro dell’artista, il neon: Emin trae ispirazione dai ricordi dell’infanzia trascorsa a Margate, una città di mare caratterizzata dalla presenza di insegna luminose. L’artista combatte contro lo stereotipo di squallore associato al neon, che è sexy, scintillante, vibrante, affascinante. In questo caso, la luce amplifica l’emozione e rende viva la parola scritta.

CORTILE

I Followed You To the End (Ti ho seguito fino alla fine)
2024
bronzo patinato
Collection Museum Voorlinden, Wassenaar, The Netherlands

Se siamo stati introdotti all’arte di Tracey Emin attraverso il neon e la parola scritta, chiara e diretta, quello che si presenta ai nostri occhi appena varchiamo la soglia di Palazzo Strozzi ed entriamo nel cortile è molto diverso: ci appare un grande abbozzo informe di bronzo, che affonda proprio al centro dell’architettura rinascimentale. Il titolo I Followed You To the End (Ti ho seguito fino alla fine) del 2024 non sembra aiutarci nell’interpretazione iniziale.

Solo girando intorno all’enorme scultura cominciamo a distinguere una forma non più astratta, ma la parte inferiore di un corpo femminile. La figura è tagliata proprio dal pavimento in cui sembra immergersi e sprofondare, mentre le gambe divaricate e le natiche rimangono esposte tra le colonne del cortile.

L’uso del bronzo non è casuale: l’artista riprende e sovverte la scultura tradizionale, che ha da sempre rappresentato figure erette, eroiche, maschili, rigide e statiche. Qui il medesimo materiale e la grandezza monumentale sono usati per un altro scopo: non è una statua celebrativa, ma una rappresentazione vulnerabile, piegata e frammentata, colta nell’intimità di un momento.

La superficie non è levigata, ma vi si trovano le impronte dell’artista, le tracce della modellatura e della fusione: vi è, quindi, un investimento e una rivelazione personale. Il visitatore è introdotto ad altri temi ricorrenti e ad un materiale importante per Tracey Emin, che aveva imparato ad apprezzare il bronzo attraverso la tecnica della fusione a cera persa in una fonderia a New York, su consiglio di Louise Bourgeois, iniziando con piccole sculture prima di passare a opere monumentali.

SALA 1 – POEMS

Dal cortile, dopo aver presentato il biglietto, saliamo l’ampia scalinata che ci conduce alle sale della mostra, introdotta da una postazione dove è possibile prendere un’utilissima guida cartacea che ci fornisce alcune spiegazioni generali sull’arte e sulla vita di Tracey Emin e soprattutto ci permette di interpretare le varie sezioni dell’esposizione.

Già dalla prima stanza abbiamo un’impressione di grandezza e forte impatto emotivo: la nostra attenzione è immediatamente catturata dal gigantesco neon, alto quattro metri e mezzo, Love Poem for CF (Poesia d’amore per CF) del 2007. Si tratta di uno dei neon più grandi creati da Emin e rappresenta la trasformazione in poesia di uno dei temi più ricorrenti nella sua arte, il sesso: il messaggio d’amore è diretto all’ex fidanzato Carl Freedman, al quale negli anni Novanta aveva dedicato alcuni versi (“Hai messo la tua mano / Sulla mia bocca / Ma il rumore comunque / Continua / Ogni parte del mio corpo / sta Urlando / Frantumata in un / Milione di pezzi / Ogni parte / Per Sempre / Appartiene a te”).

Avevamo già avuto un assaggio dell’uso del neon da parte di Emin con le poche parole affisse sulla facciata del palazzo, ma qui diventa chiaro quanto le sue opere siano personali e intime sia nella scelta del testo, prodotto sempre dall’artista, sia per la calligrafica, che è ovviamente la sua. La luce rende viva e pulsante la poesia d’amore.

Sesso e desiderio sono il filo conduttore delle altre due opere esposte nella sala, entrambi quadri: There was no Right way (Non c’era il modo giusto, 2022) e Everything is moving nothing Feels Safe. You made me Feel like This (Tutto si muove, niente sembra sicuro. Mi hai fatto sentire così, 2018). Emerge un forte senso di vulnerabilità, che ritroveremo anche in altre opere successive.

SALA 2 – EXORCISM

Nella seconda sala l’atmosfera cambia: ci troviamo di fronte ad un grande cubo bianco e accanto a noi, attaccate alla parete, tre fotografie del 1996: Naked Photos – Life Model Goes Mad I, II, III (Foto di nudo – La modella impazzisce I, II, III). Dopo un periodo traumatico all’inizio degli anni Novanta, segnato dall’aborto, Emin riesce a tornare alla pittura, abbandonata sei anni prima, con la performance Exorcism of the last painting I ever made (Esorcismo dell’ultimo dipinto che abbia mai fatto).

Dopo aver smesso di dipingere (prima per la nausea causata dall’odore dei colori a olio e della trementina e poi come punizione contro se stessa), Emin ha deciso di concedersi del tempo per tornare all’arte, anche se il suo ritorno definitivo sarà solo cinque anni ancora più tardi. 

Nel 1996, per tre settimane e mezzo, il periodo tra un ciclo mestruale e l’altro, l’artista si è chiusa nuda in uno spazio di una galleria di Stoccolma, trasformandolo temporaneamente in uno studio e lavorando sotto lo sguardo del pubblico, che poteva spiarla da apposite lenti grandangolari. Emin era, quindi, creatrice di arte e soggetto artistico.

Le opere realizzate si inspiravano a grandi artisti, come Egon Schiele, Yves Klein, Edvard Munch e Pablo Picasso. Sono solo gli uomini a raffigurare nudi femminili, mentre Emin sovverte questa tradizione: le donne possono essere non solo muse passive, ma artiste capaci di rappresentare la propria immagine.

La serie di foto documenta l’esperienza, mentre gli strumenti e i materiali della performance, insieme alle opere realizzate in quel contesto, non possono essere separati e sono qui esposti nella forma originale. Affacciandoci dalla porta della stanza ricreata al centro della sala, abbiamo l’impressione di immergerci nel lavoro dell’artista e possiamo ancora cogliere l’atmosfera creatasi ormai trent’anni fa.

SALA 3 – COMING DOWN FROM LOVE

Entrando nella terza sala siamo immediatamente colpiti dal carattere esplicito dei quadri affissi alle pareti: istinti ed emozioni profonde si palesano sulle tele, in un intreccio di desiderio, amore, perdita e dolore. È il corpo il vero protagonista delle opere: uno strumento di piacere, ma anche vulnerabile, custode di ricordi e ferite. L’arte di Emin è sempre figurativa, ma presenta alcuni tratti vicino all’astrazione; utilizza gli acrilici e le pennellate sono rapide e sicure, il colore scelto non è casuale ma riflette ciò che l’opera vuole esprimere, la sua forza emotiva.

Superando una certa naturale ritrosia borghese (almeno da parte mia), possiamo cogliere come il lavoro dell’artista sia istintivo; non a caso dipingeva su più tele contemporaneamente, in modo veloce oppure lento, senza pianificare l’immagine finale. Le opere portano i segni di questo metodo: presentano modifiche e cancellazioni, che sono le tracce sia del processo creativo sia dell’evoluzione di ciò che Emin voleva esprimere.

Non possono negare di aver provato un certo disagio in questa sala: i dipinti sono fin troppo espliciti, crudi, colpiscono in modo immediato e intrecciano amore, dolore, vita, morte, violenza, componendo un insieme che è per me disturbante. Ho questa percezione fin dai titoli: Not Fuckable (Non scopabile, 2024), I Wanted You To Fuck Me So Much | Couldn’t Paint Anymore (Volevo che mi scopassi così tanto da non riuscire più a dipingere, 2020), Because You Kept Touching Me (Perché continuavi a toccarmi, 2019), There was blood (C’era sangue, 2022). Meno esplicito, ma solo nel titolo, è This Was The Beginning (Questo è stato l’inizio, 2020).

D’altra parte, Emin desiderava che “le persone provino qualcosa quando guardano il mio lavoro.”; in effetti, qualcosa io l’ho provato, anche se forse non ciò che ci si aspetterebbe…

La sala prende il titolo dall’unica opera in bronzo Coming Down From Love (Scendendo dall’amore, 2024), che somiglia vagamente a quella nel cortile, ma in un formato molto ridotto. Essa rivela come Emin intrecci intimità e malinconia, con l’intento di trasmettere le proprie esperienze personali attraverso un linguaggio che vuole essere universale.

SALA 4 – HURT HEART

Infine, sono esposti quattro piccoli dipinti su tela del 2015-2016: More dreaming (Sognare ancora), Hurt Heart (Cuore ferito), Hold me (Stringimi) e Heart Land (La terra del cuore). Il secondo conferisce il titolo alla sala e ben rappresenta come Emin utilizzi il linguaggio, accostando le parole per sottolineare lo stretto legame tra amore e sofferenza.

SALA 5 – THOSE WHO SUFFER LOVE

Con una piccola deviazione rispetto al percorso lineare della mostra, entriamo in due ambienti più piccoli e raccolti. Il primo è dominato da una scritta al neon Those who Suffer LOVE (Chi soffre AMA, 2009), che ben esprime attraverso la costruzione della frase la riflessione sull’amore, che è sempre intriso di sofferenza. Si tratta di un vero e proprio aforismo, capace di staccarsi dalla condizione personale dell’artista per raggiungere un carattere collettivo, universale.

Medesimo è il titolo del film di animazione, un loop di 20 secondi, riprodotto su una parete e composto da centocinquanta monotipi. Il soggetto è abbastanza evidente: una donna, non riconoscibile in volto, si mostra a gambe divaricate intenta a soddisfare autonomamente il proprio desiderio e piacere. Questo motivo, ricorrente nell’arte di Emin, è molto raro e può essere rinvenuto solo in opere maschili, come Gustave Courbet o Egon Schiele. In questo senso, l’artista denuncia e critica la storia dell’arte e la società che a lungo hanno inquadrato e limitato la sessualità femminile.

SALA 6 – A DIFFERENT TIME

La seconda sala di piccole dimensioni, sempre con una luce offuscata e bluastra, esplora un tema differente e legato ad un momento particolare: nel 2020, durante l’isolamento imposto dalla pandemia Covid-19, Emin dipingeva nella propria casa a Londra, creando una serie di piccole opere che diventano un rifugio della memoria, preparandosi a lasciare l’abitazione dove aveva vissuto vent’anni. Emerge un senso di solitudine, lutto e trasformazione, con ambienti interni essenziali, dominati dai toni blu e grigi, a tratti spettrali e malinconici.

Ciò è evidente in My Mum’s Ashes – In The Ashes Room (Le ceneri di mia mamma – Nella stanza delle ceneri), in cui l’urna della madre è ben evidente ed evoca la perdita e il tutto. Attraverso la pittura, l’artista ricorda, elabora il dolore, fissa la memoria.

La solitudine non è solo malinconia, ma anche possibilità di ricerca interiore, crescita, rinascita, come suggerisce il titolo Thriving on Solitude (Prosperare nella solitudine). Nonostante ciò, l’inquietudine emerge da alcuni dipinti, come in quello tutto testuale di A Message From The Gods in Advance – December 2019 (Un messaggio dagli dei in anticipo – dicembre 2019), in cui le parole paiono una preghiera o un appello: “Ora te ne sei andato / Ti volevo / Te l’avevo quasi detto / Dovevo dirtelo / Ma perché avrei dovuto / Come avrei potuto”, oppure nel successivo (2021) I was so hurt I was crying (Ero così ferita che stavo piangendo).

Il tema dell’amore torna, ma come lontananza: 5 Hours (5 ore) e 5 Hours Long – With you in my mind (Per 5 ore – Con te nella mia mente) si riferiscono alla durata di una telefonata, che Emin ha avuto nella propria vasca da bagno con l’uomo che amava in quel momento.

SALA 7 – I DO NOT EXPECT

Il tema della maternità viene affrontato nella sala successiva, dove spicca la grande coperta con appliqué, una tecnica tradizionale di ricamo e patchwork, associata al lavoro domestico e femminile. I do not expect (Non mi aspetto, 2002) è un’opera molto esplicita sulla posizione di Emin e riflette i propri pensieri sulla maternità e sulla morte attraverso una serie di frasi “Non mi aspetto di essere madre, ma mi aspetto di morire sola / Non deve per forza essere così / Lei si è spenta come una lampadina da 40 watt! / Il mio cervello è a pezzi! / Amore fino alla fine / La rivoglio indietro – quella ragazza di 17 anni”.

SALA 8 – TAKE MY SOUL

L’ottava sala è sicuramente la più ricca di opere, con tecniche diverse e che mostrano il carattere eclettico eppure sempre coerente dell’artista. Emin usa le parole e le immagini evocando dimensioni più spirituali, visioni, mondo reale e sconosciuto.

L’iconografia cristiana ha ispirato l’artista, che si è formata al Royal Collage of Art e ha frequentato la National Gallery studiando pale d’altare, icone e immagini religiose. La crocifissione è un tema ricorrente nella sua arte perché è un simbolo universale di sofferenza, che viene da Emin trasformato in metafora di vulnerabilità umana, perdita e rinascita.

L’immagine del crocifisso ricorre nella sala: nel bronzo Crucifixion (Crocifissione, 2014), nel dipinto The Crucifixion (La Crocifissione, 2022), nella coperta con appliqué Automatic Orgasm (Orgasmo automatico, 2001).

Tante sono le tecniche e i materiali usati nelle opere esposte in questa sala: dall’acrilico su tela (I waited so Long – Ho aspettato così a lungo, 2022 e Take me to Heaven – Portami in paradiso, 2024) al calicò ricamato (The Decent 2112 HK – La decente 2112 HK, 2016), dal bronzo alla coperta con appliqué fino al cotone ricamato (Take my soul – Prendi la mia anima, 2011).

Ci hanno colpiti in particolare le cinque sculture del 2013 poste in posizione centrale, che spiccano su blocchi rettangolari in bronzo, patinati di bianco: figure in miniatura mostrano animali selvatici, talvolta insieme ad una donna, evocando il legame tra Emin e la natura. Non manca l’elemento della parola: le superfici dei blocchi sono incise con frasi dai tratti irregolari.

La prima scultura è solo umana, con un corpo disteso e una frase di inquietudine: A cloud of blood an invisible mist (Una nuvola di sangue una nebbia invisibile); la seconda è un candido cigno accompagnato da un’apparentemente ingiusta condanna (Humiliated – Umiliata), mentre nella terza una volpe si affianca ad una figura umana distesa con le braccia incrociate (You have no idea how safe you make me feel – Non hai idea quanto tu mi faccia sentire al sicuro). Dopo un altro corpo capitozzato (There is nothing left but you – Non è rimasto niente, se non te), l’ultima scultura raffigura un nobile cervo con un essere umano che lo cavalca e lo abbraccia (I whisper to my past do / I have another choice – Sussurro al mio passato: ho forse un’altra scelta?).

Questi bronzi sono stati realizzati in una fonderia di Long Island, dove aveva lavorato anche Louise Bourgeois e sembrano voler sovvertire la monumentalità della scultura tradizionale. La mano che li ha creati pare quasi infantile ed evoca una dimensione intima e fragile e un senso di protezione, riflette un dialogo interiore tra sofferenza e spiritualità. È stata la stessa artista a descrivere queste opere come “lettere d’amore scolpite”: il corpo femminile si fonde con il mondo della natura e il colore bianco evoca la purezza e trasporta in una dimensione trascendente.

SALA 9 – ALL I WANT IS YOU

Il percorso espositivo sta volgendo al termine, ma ci attendono ancora due sale, la prima delle quali è molto scenografica grazie all’accostamento della lunga e alta scritta al neon e delle grandi finestre rinascimentali che diventano lo sfondo della gigantesca scultura in bronzo al centro del pavimento in cotto.

Questa grande opera è introdotta da una coppia di bronzi di piccole dimensioni, affissi alle pareti (Belligerence – Belligeranza, 2014), in cui un corpo emerge dalla lastra, mentre nell’altro quadrato sono scolpite, anzi graffiate, alcune parole.

Ritornano i temi tipici dell’arte di Emin, come il desiderio espresso nel neon I Longed For You (Ti desideravo, 2019), che trasforma il pensiero in una poesia luminosa capace di mostrare visivamente e di raccontare come il sentimento sia tanto intenso da diventare insostenibile: “Ti desideravo. Ti volevo / L’unico luogo in cui mi raggiungevi / era nei miei sogni. / Troppo lontano perché potessi toccarti / con il tempo sei scomparso lentamente. / La Distanza del tuo Cuore”.

Il gigantesco bronzo al centro della sala, invece, è una delle prime sculture monumentali realizzate da Emin, che le ha dato forma dopo la morte della madre. Si intrecciano, quindi, i temi della perdita, dell’amore e della forza femminile: All I want is you (Tutto quello che voglio sei tu, 2016) è un’opera molto personale, tanto da riportare sulla superficie di bronzo le tracce delle mani dell’artista e persino e le sue impronti digitali, poiché il bronzo è fuso da uno stampo in argilla modellato direttamente da Emin. Il corpo femminile è imponente e potente, capace di sostenere una grande pietra, che è separata da esso e che potrebbe essere interpretata come il peso della memoria oppure qualcosa di perduto e distante, ma al tempo stesso ancora vicino.

L’ultima opera della sala è un dipinto, in You Should have Saved me (Avresti dovuto salvarmi, 2023), in bianco e nero, ispirato alle litografie di Munch, che, come Emin, sondava l’intreccio tra solitudine e desiderio.

I colori del grigio, del bianco e del nero, anticipano i quadri dell’ultima sala della mostra, tutta dedicata ad opere realizzate nel 2022, dopo l’intervento chirurgico per il cancro a cui l’artista si è sottoposta nel 2020. La tecnica qui utilizzata è quella dell’incisione, che Emin aveva studiato al Maidstone College of Art. I monotipi serigrafici esposti sono di grandi dimensioni e mettono letteralmente a nudo il trauma dell’operazione e il processo di guarigione. I toni cupi, che ricordano le opere di Goya, trasmettono anche la forza della vita e la volontà di esprimere se stessi.

SALA 10 – THE END OF THE DAY

L’immagine della donna ritorna, nonostante le trasformazioni del corpo (It Never Felt like This – Non mi sono mai sentita così) e si ribella attraverso una rappresentazione del nudo femminile, che è ancora oggi troppo legato allo sguardo maschile. Emin crea figure distese e contorte, che celebrano la libertà ma esprimono anche il dolore.

Torna l’elemento naturale, come la luna, simbolo femminile, in The moon, You Rolled across my back (Come la luna, sei rotolato sulla mia schiena) e in My Halo Was The Moon (La mia aureola era la luna), e il mare in The Sea came in, The Sea went out – It Left me (Il mare è venuto, il mare è andato – mi ha lasciato), influenzato dal tempo trascorso a Margate.

In altri monotipi e nel bronzo al centro della sala This is exactly how I feel right now (Questo è proprio come mi sento in questo momento, 2016) emerge il senso di solitudine e torna il titolo della mostra, che riguarda anche il processo creativo dell’artista, che adesso lavora solo una persona, il suo direttore creativo Harry Weller, nel proprio studio, insieme ai suoi due gatti (Teacup e Pancake).

Video: ARTURO GALANSINO INTERVISTA TRACEY EMIN

La mostra si conclude con queste ultime opere all’insegna della fragilità e della riflessione, ma noi ci siamo fermati nella sala davanti al guardaroba, dove era riprodotto il video dell’intervista a Tracey Emin da parte di Arturo Galansino, Direttore Generale di Palazzo Struzzi e curatore della mostra.

Secondo la nostra opinione, si tratta di un importante tassello per chi vuole comprendere meglio la visione artistica di Emin, oltre alla sua vita. In questa interessante intervista sono sviscerati alcuni temi personali ed esistenziali, cardine per la mostra che abbiamo appena visto, come il rapporto tra sesso e solitudine, la scrittura quale strumento espressivo, la scelta e la fisicità dei materiali, l’amore, la malattia e la trasformazione.

Quando ci approcciamo alle mostre di arte contemporanea, che possono essere inusuali rispetto ai nostri canoni estetici e disturbanti per la nostra mentalità “borghese”, è fondamentale riuscire a comprendere la prospettiva dell’artista, ciò che vuole comunicare, quello che di sé trasferisce nelle proprie opere e i temi universali che intende affrontare. Solo così, cambiamo il nostro sguardo e possiamo apprezzare, comprendere un briciolo di più e forse persino immedesimarci e riflettere su ciò che vediamo.

UNA VISIONE GENERALE DELLA MOSTRA E QUALCHE ACCENNO ALLA BIOGRAFIA DELL’ARTISTA:

TRACEY EMIN A PALAZZO STROZZI

INFORMAZIONI

• La mostra a Palazzo Strozzi: https://www.palazzostrozzi.org/archivio/mostre/tracey-emin/
• Note su Sex and Solitude – kit di visita alla mostra: https://www.palazzostrozzi.org/note-su-sex-and-solitude/
• Canale Youtube di Palazzo Strozzi: https://www.youtube.com/@FondazionePalazzoStrozzi/
• Video “Arturo Galansino interviews Tracey Emin – Tracey Emin. Sex and Solitude”: https://www.youtube.com/watch?v=QE4HmIUM4jE